Informe febrero –junio 2004
Dispositivo cultural. CRSM
Taller de Emprendimientos Artesanales.
El taller comienza a funcionar en febrero del corriente año. Se dicta los días viernes de 14 a 16hs. Me acompaña la psicóloga Mariana Storero, en función de coordinadora.
Contamos con un aula grande muy bien iluminada, se dispone de varias mesas, las cuales se ubican con cierta proximidad, en una de ellas se colocan los materiales: para que cada sujeto elija con que quiere trabajar, se trata de sostener la diversidad con respecto a la elección del material con la cual se va a llevar a cabo cada producción individual. El dispositivo del hospital de día plantea a los talleres como un lugar de alojamiento para posibilitar la producción, producción que siempre es individual.
En general hubo una fascinación por los materiales desde las primeras reuniones, tienen que conocerlos, familiarizarse con ellos, para después poder elegir según su singularidad, lo que mas le cause placer hacer; Esto llevara un tiempo de construcción de diferentes objetos, hasta encontrar uno que le signifique, para después poder despegarlo y comercializarlo.
1° paso: investigación de los materiales.
2° paso: construcción de objetos varios.
3° paso: apropiación de un objeto estético.
4° paso: despegue y comercialización.
Cierto día había 9 pacientes en una mesa, haciendo collares y pulseritas, se creo un clima saludable de trabajo compartido, la elección de colores era distinta, circulaba la tanza y los ganchitos de una mano a otra, conversaban entre ello, se reían.
Si bien el objeto a construir era el mismo: bijoutery la elección del color y el tamaño de las cuentitas hacían la diferencia. También el posible uso, casi siempre la primera era para si mismo y luego hacían otra para obsequiarle a alguien.
Raquel 1 para ella, 1 para su marido, 1 para su hija.
Cesar 1 para el.
Fernando 1 para alguien
Susana 1para ella, 1 para alguien.
Cristina 1 para ella.
Cristian 1 para el, 1 para su hermanita.
Miguel 1 para el.
José Luis 1 para el.
Carlos 1 para el.
En las primeras reuniones con pocos se pudo conversar esto de comercializar, o vender los productos elaborados en el taller, pero esto de obsequiar, tiene que ver con algo de un intercambio, en relación con otro significativo.
En los últimos encuentros se ha podido charlar con algunos pacientes para que esto se produzca, pero en algunos quizás esto no suceda nunca.
Hay quienes vienen a trabajar con arcilla, por ejemplo Claudio M, se sienta y pide arcilla, empezó con un cenicero, después hizo una botellita con vasos, hizo otro cenicero, un avión (presidencial), un sillón (existencialista) y fue pintando todo lo que hizo. No le gusta que le pregunten mucho sobre su producción; Habla lo necesario, cuando le comente la finalidad del taller, dijo que no le interesaba vender, que lo hacia porque le gustaba.
Claudio M es uno de los pacientes que viene siempre al taller, no se si va a vender sus objetos en algún momento determinado, pero si se que algo lo moviliza desde su lugar a venir a trabajar cada viernes al taller poniendo su subjetividad en un pedazo de arcilla.
El dispositivo del hospital de día esta planteado como un lugar de alojamiento subjetivo, un lugar de producción donde se posibilite el hacer, este paciente ocupa ese lugar.
Han transcurrido varios meses desde el comienzo del taller, los integrantes varían, también hay diversidad en lo que cada uno quiere hacer con su hacer; por eso es muy importante la variedad de los elementos.
Gabriela R: es una paciente externada, comenzó en marzo, la primera vez que vino al taller dibujó, la segunda observo, la tercera vez siguió observando los materiales y comenzó a trabajar con porcelana fría, copio unos colgantes(dijes); después se aburrió e hizo un arco y una pelota-cara. ¿Esto lo vas a vender?-pregunte. Me contesto que estaba jugando. Con ella habíamos charlado la finalidad del taller.
Al siguiente encuentro: estaba sentada al lado de Francisco A. que hacia pulseritas de cuadro de fútbol, quiso hacer lo mismo e hizo dos pulseritas, después pinto el arco y la pelota-cara.
Durante dos meses estuvo haciendo dijes y pintándolos, se compro su propio material, ordeno sus objetos en una caja la cual busca cuando viene al taller.
El ultimo encuentro comenzó de nuevo con las pulseritas, y se intereso por saber donde comprar el material; Sucedió que otra paciente estaba sentada enfrente de ella haciendo pulseras: Gabriela P.
Gabriela R., siempre copia el hacer de otro, pero en esa copia, pone en juego su propia producción, sabe la finalidad del taller pero todavía no tiene definido el material con que quiere trabajar. Investiga, mientas produce, abundante por cierto, da cuentas de sus ganas de hacer.
Los objetivos de taller están funcionando despacio, teniendo en cuenta los tiempos de cada sujeto y su singularidad al estar en una institución psiquiátrica, cada uno tiene un tiempo de maduración y relación con los objetos diferente; Esa diferencia es la que tenemos que acompañar para que pueda devenir un objeto intercambiable, ya sea del lado de los afectos, como un regalo; o comercial para la venta. Siempre que tenga que ver con la restitución de los lazos perdidos.
Carina Cardone.
proyecto para crsm 2003
El proyecto
Surge de una serie de conversaciones y discusiones sobre la práctica disciplinar específica: la producción en el campo del arte.
Los artistas (se dice) son medios locos, excéntricos, mañosos, y generalmente producen solos, encerrados en algún lugar, hasta altas horas de la madrugada; pero desde donde producen? Para quien?
Una definición de cultura podría ser: un conjunto de logros de un pueblo, de una nación, de un grupo humano.
En toda producción cultural, en todo acto creador, debemos tener en cuenta un texto, esa producción y el acto misma de crearla; y a la vez un contexto dado por las condiciones materiales, socio históricas, economicas, políticas e ideológicas en las que surge esa obra.
Una expresión plástica emerge siempre de un contexto determinado y determinante y se constituye como un intento de respuesta coherente y significativa a las necesidades q están presentes en ese tiempo histórico. Cada producto constituye en si mismo una afirmación y una referencia a lo real, una producción de sentido que funciona como un todo invisible.
La obra cultural es una respuesta de un grupo social, a sus condiciones concretas de existencia, de los interrogantes de una época a los miembros de una organización social.
Se puede considerar el arte como un dispositivo privilegiado a la hora de situarse frente al mundo, nombrándolo, significándolo y transformándolo. El arte como construcción de experiencia otorga al mundo estatuto de realidad, a referirse a este, pero por sobre todo otorgándole sentido. Permite socializar las experiencias individuales, construyendo un Capital Cultural genuino.
Desde este lugar, el arte abre las puertas para que tomando las experiencias humanas construyamos proyectos de acción que conduzcan a una interacción social.
La institución
Las instituciones están constituidas por material social? Por gente? Y por lo que piensa y hace la gente? Este material: enfermos mentales, toxicómanos, discapacitados, madres solteras, presidiarios, huérfanos, desocupados, ancianos?
Hablamos de contextos donde lo “a-normal” es el punto de partida, que este proyecto no se propone “normalizar”, sino valorizar y reconvertir en energía de vida. Se valoriza el gusto, la tensión, el placer de hacer; Cuentan las motivaciones estéticas, la dimensión sensible de la actividad.
La idea seria brindar una asistencia, situándome como productora de arte que realiza un emprendimiento invirtiendo en el único capital que posee: las personas.
Mediante el reconocimiento de sus capacidades y la creación de las condiciones necesarias para que esa capacidad se pueda implementar, utilizar y transformar en algo coherente y real.
El proyecto no consiste en trabajar, sino en emprender. No es para normalizar sino para restituir la confianza y el respeto de si, la integridad y la complejidad de las personas; porque la libertad, la autonomía y la responsabilidad, crecen con el uso.
Si se trata de trabajo lo importante no es la disciplina, la fatiga, el sacrificio, la privación, sino la invención, el riesgo, el placer de hacer, el valor agregado que se produce, para si y para otros.
Una asistencia que emprende tiene mucho que utilizar del mercado. Se sabe que el mercado excluye a ciertos sujetos, pero el mercado no es solo eso y sigue siendo un instrumento (muy imperfecto) de democracia y civilización. El mercado crea sujetos porque alimenta intercambios, encuentros, experiencias.
La propuesta es crear intercambios económicos y sociales en las esferas excluidas, posibilitando el emprendimiento de actividades artísticas. Transmitir técnicas de oficio y su futura comercialización, con el fin de incorporarlos de nuevo a la sociedad.
Crear un taller de arte con una posible salida laboral, para recuperar el vinculo social perdido.
Objetivos Generales.
· Introducir a los integrante se taller en la producción de objetos.
· Capacitar en el manejo de elementos básicos del lenguaje visual.
· Permitir estrategias diferenciadas de acuerdo a las necesidades expresivas de cada participante.
· Potenciar la expresión personal.
· Desarrollar una aptitud critica con la propia producción y con la de sus compañeros.
· Descubrir la manera de articular los elementos del lenguaje visual según su funcionalidad.
· Desarrollar habilidades de manejo de materiales y herramientas.
· Fomentar la comercialización de objetos.
Contenidos conceptuales.
· Elementos básicos del lenguaje visual: línea, plano, espacio, plano de adorno, textura, color.
· La representación del volumen en el plano. Bi dimensionalidad.
· El volumen y el espacio real. El objeto. Tridimensionalidad.
· El color.
· Forma de organización del color. Variaciones cromáticas. Movimientos de color. Armonía y oposición. Dominancia y subdominancia. Pasajes y contrastes. Especialidad del color.
· El color en relación a la intencionalidad. Color objetivo, color subjetivo, color simbólico.
Contenidos instrumentales.
· Construcción de objetos bidimensionales, material: arcilla, con herramientas básicas y adecuadas.
· Introducción a la molderia, material: yeso.
· Producción de copias y uso del color.
El trabajo del taller esta basado en el principio de aprender “haciendo” y orientar la producción hacia una postura personal, teniendo en cuenta que los objetos a construir son para una futura comercialización.
Se realiza un seguimiento personalizado de cada uno de los integrantes del taller con el apoyo de algún profesional a cargo de la institución.
Carina Cardone. 2003
Surge de una serie de conversaciones y discusiones sobre la práctica disciplinar específica: la producción en el campo del arte.
Los artistas (se dice) son medios locos, excéntricos, mañosos, y generalmente producen solos, encerrados en algún lugar, hasta altas horas de la madrugada; pero desde donde producen? Para quien?
Una definición de cultura podría ser: un conjunto de logros de un pueblo, de una nación, de un grupo humano.
En toda producción cultural, en todo acto creador, debemos tener en cuenta un texto, esa producción y el acto misma de crearla; y a la vez un contexto dado por las condiciones materiales, socio históricas, economicas, políticas e ideológicas en las que surge esa obra.
Una expresión plástica emerge siempre de un contexto determinado y determinante y se constituye como un intento de respuesta coherente y significativa a las necesidades q están presentes en ese tiempo histórico. Cada producto constituye en si mismo una afirmación y una referencia a lo real, una producción de sentido que funciona como un todo invisible.
La obra cultural es una respuesta de un grupo social, a sus condiciones concretas de existencia, de los interrogantes de una época a los miembros de una organización social.
Se puede considerar el arte como un dispositivo privilegiado a la hora de situarse frente al mundo, nombrándolo, significándolo y transformándolo. El arte como construcción de experiencia otorga al mundo estatuto de realidad, a referirse a este, pero por sobre todo otorgándole sentido. Permite socializar las experiencias individuales, construyendo un Capital Cultural genuino.
Desde este lugar, el arte abre las puertas para que tomando las experiencias humanas construyamos proyectos de acción que conduzcan a una interacción social.
La institución
Las instituciones están constituidas por material social? Por gente? Y por lo que piensa y hace la gente? Este material: enfermos mentales, toxicómanos, discapacitados, madres solteras, presidiarios, huérfanos, desocupados, ancianos?
Hablamos de contextos donde lo “a-normal” es el punto de partida, que este proyecto no se propone “normalizar”, sino valorizar y reconvertir en energía de vida. Se valoriza el gusto, la tensión, el placer de hacer; Cuentan las motivaciones estéticas, la dimensión sensible de la actividad.
La idea seria brindar una asistencia, situándome como productora de arte que realiza un emprendimiento invirtiendo en el único capital que posee: las personas.
Mediante el reconocimiento de sus capacidades y la creación de las condiciones necesarias para que esa capacidad se pueda implementar, utilizar y transformar en algo coherente y real.
El proyecto no consiste en trabajar, sino en emprender. No es para normalizar sino para restituir la confianza y el respeto de si, la integridad y la complejidad de las personas; porque la libertad, la autonomía y la responsabilidad, crecen con el uso.
Si se trata de trabajo lo importante no es la disciplina, la fatiga, el sacrificio, la privación, sino la invención, el riesgo, el placer de hacer, el valor agregado que se produce, para si y para otros.
Una asistencia que emprende tiene mucho que utilizar del mercado. Se sabe que el mercado excluye a ciertos sujetos, pero el mercado no es solo eso y sigue siendo un instrumento (muy imperfecto) de democracia y civilización. El mercado crea sujetos porque alimenta intercambios, encuentros, experiencias.
La propuesta es crear intercambios económicos y sociales en las esferas excluidas, posibilitando el emprendimiento de actividades artísticas. Transmitir técnicas de oficio y su futura comercialización, con el fin de incorporarlos de nuevo a la sociedad.
Crear un taller de arte con una posible salida laboral, para recuperar el vinculo social perdido.
Objetivos Generales.
· Introducir a los integrante se taller en la producción de objetos.
· Capacitar en el manejo de elementos básicos del lenguaje visual.
· Permitir estrategias diferenciadas de acuerdo a las necesidades expresivas de cada participante.
· Potenciar la expresión personal.
· Desarrollar una aptitud critica con la propia producción y con la de sus compañeros.
· Descubrir la manera de articular los elementos del lenguaje visual según su funcionalidad.
· Desarrollar habilidades de manejo de materiales y herramientas.
· Fomentar la comercialización de objetos.
Contenidos conceptuales.
· Elementos básicos del lenguaje visual: línea, plano, espacio, plano de adorno, textura, color.
· La representación del volumen en el plano. Bi dimensionalidad.
· El volumen y el espacio real. El objeto. Tridimensionalidad.
· El color.
· Forma de organización del color. Variaciones cromáticas. Movimientos de color. Armonía y oposición. Dominancia y subdominancia. Pasajes y contrastes. Especialidad del color.
· El color en relación a la intencionalidad. Color objetivo, color subjetivo, color simbólico.
Contenidos instrumentales.
· Construcción de objetos bidimensionales, material: arcilla, con herramientas básicas y adecuadas.
· Introducción a la molderia, material: yeso.
· Producción de copias y uso del color.
El trabajo del taller esta basado en el principio de aprender “haciendo” y orientar la producción hacia una postura personal, teniendo en cuenta que los objetos a construir son para una futura comercialización.
Se realiza un seguimiento personalizado de cada uno de los integrantes del taller con el apoyo de algún profesional a cargo de la institución.
Carina Cardone. 2003
taller de emprendimientos artesanales para funes 2003
El rol que cumple el estado en lo educativo se limita generalmente a la educación
formal que brindan las escuelas, es decir EGB 1, 2 y 3; y polimodal.
Sin embargo, este no es el único espacio necesario para los miembros de de nuestra sociedad y muchas veces encontramos una fuerte demanda social en la formación de actividades que implican, el oficio manual, la creatividad, la sensibilidad estética.
El siguiente proyecto plantea la posibilidad, que gestionado o promocionado por la Municipalidad de Funes brinde talleres que extiendan los servicios a la comunidad, en relación al espacio educativo y de capacitación.
No solo esta pensado en relación a la formación, sino que mas integralmente supone la propuesta de que lo producido en los talleres sea comercializado, brindando un servicio más a la comunidad: la posibilidad de una fuente de trabajo para los participantes en la producción y un espacio de oferta de productos alternativos y artesanales para toda la comunidad (sabemos por múltiples experiencias que se están llevando a cabo actualmente en Rosario, que la creación de estas “ferias” funcionan económicamente y brindan un espacio cultural y recreativo para las ciudades)
Objetivos.
1. fomentar un espacio que brinde capacitación y formación para autogestionar microempredimientos con salida laboral y comercial.
2. Brindar la posibilidad de formarse para gestionar proyectos propios y creativos que revaloricen el trabajo artesanal y brinden productos producidos y comercializados dentro de la misma comunidad.
3. Extender el espacio educativo y ampliar el campo cultural mediante la posibilidad de participar en espacios sociales y públicos que colaboren con la participación y fomentación del trabajo manual.
Fundamentación teórica
Una definición de cultura podría ser un conjunto de logros de un pueblo, de una nación, de un grupo humano.
En toda producción cultural, en todo acto creador, debemos tener en cuenta un texto,
esa producción y el acto mismo de crearla; y a la vez un contexto dado por las condiciones materiales, socio históricas, económicas, políticas e ideológicas en que surge esa obra.
Un objeto artístico emerge siempre de un contexto determinado y determinante, y se constituye como un intento de respuesta coherente y significativa a las necesidades que están presentes en ese tiempo histórico. Cada producto constituye en si mismo una afirmación y una referencia a lo real, una producción de sentido que funciona como un todo invisible.
La obra cultural es una respuesta de un grupo social a las condiciones concretas de existencia, de los interrogantes de una época a los miembros de una organización social.
La producción artesanal permite socializar las experiencias individuales construyendo un capital cultural genuino.
Desde ese lugar el arte abre las puertas para que tomando las experiencias humanas, construyamos proyectos de acción, que conduzcan a una interacción social.
La idea seria brindar una asistencia situándome como productora de arte, que realiza un emprendimiento, invirtiendo en el único capital q posee: las personas, dandole crédito a las personas mediante el reconocimiento de sus capacidades y la creación de condiciones necesarias para que esta capacidad se pueda implementar, utilizar y transformar en algo coherente y real. El proyecto no consiste en trabajar, sino en emprender. Es para restituir la confianza y el respeto de si, la integridad y la complejidad de las personas; Porque la libertad, la autonomía y la responsabilidad crecen con el uso.
Si se trata de trabajo, lo importante no es la disciplina, la fatiga, el sacrificio, la privación, sino la invención, el riesgo, el placer de hacer, el valor agregado que se produce para si y para otros.
Una asistencia que emprende tiene mucho que utilizar del mercado. Se sabe que el mercado excluye a ciertos sujetos, pero el mercado no es solo eso y sigue siendo un instrumento muy imperfecto de democracia y civilización. El mercado crea sujetos porque alimenta intercambios, encuentros, experiencias.
La propuesta es crear intercambios económicos y sociales en las esferas excluidas, posibilitando el emprendimiento de actividades artísticas. Transmitir técnicas de oficio para su futura comercialización con el fin de incorporarlos de nuevo a la sociedad. Crear talleres de arte con una posible salida laboral para mantener el vinculo social.
Los talleres podrían funcionar como un espacio que brinda la municipalidad a fin de posibilitar la formación y capacitación de sectores que necesiten contar con ello y en donde se brinden conocimientos y técnicas para poder autogenerar microempredimientos.
Cuando hablamos de sectores nos referimos fundamentalmente a:
· Amas de casa con necesidad de obtener un ingreso mas para la manutención de su familia.
· Jefas y jefes de familia que podrían encontrar en una actividad artesanal un ingreso más.
· Jóvenes, estudiantes y desocupados que en la actual situación socioeconómica de nuestro país no encuentran una inserción laboral.
· Jubilados para los cuales estas actividades resultan recreativas, un medio de comunicación social y de encuentro con sus pares y, como ya dijimos la posibilidad de un ingreso mas.
Comercialización.
Cuando nos referimos a la posibilidad de que lo que se produzca en los talleres de un rédito económico pensamos en la posibilidad de que los productos sean comercializados en algún espacio de orden público. (ejemplo: feria de artesanías). Que sirva por un lado para propiciar trabajo a estos sectores y por otro que brinden a la comunidad de Funes un espacio turístico y recreativo donde encontrar artesanías dentro de la propia comunidad.
Cursos de capacitación.
1. Taller de costura: fabricación artesanal de productos para el hogar y decorativos: almohadones, cortinas, manteles, ropa de baño, delantales, repasadores, etc.
2. Taller de diseño y costura de indumentaria: molderia, diseño, arreglos, costura en general.
3. Taller de molderia: construcción de objetos de yeso y resina, utilitarios y decorativos, ceniceros, porta sahumerios, souvenirs.
4. Taller de pintura y dibujo: técnicas de pintura decorativa, organización del color, teoría de la forma.
5. Taller de patinas: técnicas de pintura decorativa, patinas en madera, yeso y metal. Decoración y restauración de objetos, muebles, etc.
6. Taller de reciclado de juguetes: reciclado y construcción de objetos lúdicos.
7. Taller de velas: aromatización y color. Materiales y diseños artísticos. Construcción de moldes.
8. Taller de vestuario: diseño y construcción de disfraces, patrios, de época, fantasía.
9. Taller de maquillaje escénico: construcción de maquillajes caseros, organización del color.
Todos los talleres están pensados para la construcción de objetos comerciales. Esto implica para que cada uno, una planificación de gastos, tiempo invertido, ganancias, como así también la presentación del producto terminado.
Carina Cardone.
formal que brindan las escuelas, es decir EGB 1, 2 y 3; y polimodal.
Sin embargo, este no es el único espacio necesario para los miembros de de nuestra sociedad y muchas veces encontramos una fuerte demanda social en la formación de actividades que implican, el oficio manual, la creatividad, la sensibilidad estética.
El siguiente proyecto plantea la posibilidad, que gestionado o promocionado por la Municipalidad de Funes brinde talleres que extiendan los servicios a la comunidad, en relación al espacio educativo y de capacitación.
No solo esta pensado en relación a la formación, sino que mas integralmente supone la propuesta de que lo producido en los talleres sea comercializado, brindando un servicio más a la comunidad: la posibilidad de una fuente de trabajo para los participantes en la producción y un espacio de oferta de productos alternativos y artesanales para toda la comunidad (sabemos por múltiples experiencias que se están llevando a cabo actualmente en Rosario, que la creación de estas “ferias” funcionan económicamente y brindan un espacio cultural y recreativo para las ciudades)
Objetivos.
1. fomentar un espacio que brinde capacitación y formación para autogestionar microempredimientos con salida laboral y comercial.
2. Brindar la posibilidad de formarse para gestionar proyectos propios y creativos que revaloricen el trabajo artesanal y brinden productos producidos y comercializados dentro de la misma comunidad.
3. Extender el espacio educativo y ampliar el campo cultural mediante la posibilidad de participar en espacios sociales y públicos que colaboren con la participación y fomentación del trabajo manual.
Fundamentación teórica
Una definición de cultura podría ser un conjunto de logros de un pueblo, de una nación, de un grupo humano.
En toda producción cultural, en todo acto creador, debemos tener en cuenta un texto,
esa producción y el acto mismo de crearla; y a la vez un contexto dado por las condiciones materiales, socio históricas, económicas, políticas e ideológicas en que surge esa obra.
Un objeto artístico emerge siempre de un contexto determinado y determinante, y se constituye como un intento de respuesta coherente y significativa a las necesidades que están presentes en ese tiempo histórico. Cada producto constituye en si mismo una afirmación y una referencia a lo real, una producción de sentido que funciona como un todo invisible.
La obra cultural es una respuesta de un grupo social a las condiciones concretas de existencia, de los interrogantes de una época a los miembros de una organización social.
La producción artesanal permite socializar las experiencias individuales construyendo un capital cultural genuino.
Desde ese lugar el arte abre las puertas para que tomando las experiencias humanas, construyamos proyectos de acción, que conduzcan a una interacción social.
La idea seria brindar una asistencia situándome como productora de arte, que realiza un emprendimiento, invirtiendo en el único capital q posee: las personas, dandole crédito a las personas mediante el reconocimiento de sus capacidades y la creación de condiciones necesarias para que esta capacidad se pueda implementar, utilizar y transformar en algo coherente y real. El proyecto no consiste en trabajar, sino en emprender. Es para restituir la confianza y el respeto de si, la integridad y la complejidad de las personas; Porque la libertad, la autonomía y la responsabilidad crecen con el uso.
Si se trata de trabajo, lo importante no es la disciplina, la fatiga, el sacrificio, la privación, sino la invención, el riesgo, el placer de hacer, el valor agregado que se produce para si y para otros.
Una asistencia que emprende tiene mucho que utilizar del mercado. Se sabe que el mercado excluye a ciertos sujetos, pero el mercado no es solo eso y sigue siendo un instrumento muy imperfecto de democracia y civilización. El mercado crea sujetos porque alimenta intercambios, encuentros, experiencias.
La propuesta es crear intercambios económicos y sociales en las esferas excluidas, posibilitando el emprendimiento de actividades artísticas. Transmitir técnicas de oficio para su futura comercialización con el fin de incorporarlos de nuevo a la sociedad. Crear talleres de arte con una posible salida laboral para mantener el vinculo social.
Los talleres podrían funcionar como un espacio que brinda la municipalidad a fin de posibilitar la formación y capacitación de sectores que necesiten contar con ello y en donde se brinden conocimientos y técnicas para poder autogenerar microempredimientos.
Cuando hablamos de sectores nos referimos fundamentalmente a:
· Amas de casa con necesidad de obtener un ingreso mas para la manutención de su familia.
· Jefas y jefes de familia que podrían encontrar en una actividad artesanal un ingreso más.
· Jóvenes, estudiantes y desocupados que en la actual situación socioeconómica de nuestro país no encuentran una inserción laboral.
· Jubilados para los cuales estas actividades resultan recreativas, un medio de comunicación social y de encuentro con sus pares y, como ya dijimos la posibilidad de un ingreso mas.
Comercialización.
Cuando nos referimos a la posibilidad de que lo que se produzca en los talleres de un rédito económico pensamos en la posibilidad de que los productos sean comercializados en algún espacio de orden público. (ejemplo: feria de artesanías). Que sirva por un lado para propiciar trabajo a estos sectores y por otro que brinden a la comunidad de Funes un espacio turístico y recreativo donde encontrar artesanías dentro de la propia comunidad.
Cursos de capacitación.
1. Taller de costura: fabricación artesanal de productos para el hogar y decorativos: almohadones, cortinas, manteles, ropa de baño, delantales, repasadores, etc.
2. Taller de diseño y costura de indumentaria: molderia, diseño, arreglos, costura en general.
3. Taller de molderia: construcción de objetos de yeso y resina, utilitarios y decorativos, ceniceros, porta sahumerios, souvenirs.
4. Taller de pintura y dibujo: técnicas de pintura decorativa, organización del color, teoría de la forma.
5. Taller de patinas: técnicas de pintura decorativa, patinas en madera, yeso y metal. Decoración y restauración de objetos, muebles, etc.
6. Taller de reciclado de juguetes: reciclado y construcción de objetos lúdicos.
7. Taller de velas: aromatización y color. Materiales y diseños artísticos. Construcción de moldes.
8. Taller de vestuario: diseño y construcción de disfraces, patrios, de época, fantasía.
9. Taller de maquillaje escénico: construcción de maquillajes caseros, organización del color.
Todos los talleres están pensados para la construcción de objetos comerciales. Esto implica para que cada uno, una planificación de gastos, tiempo invertido, ganancias, como así también la presentación del producto terminado.
Carina Cardone.
trabajo presentado para rendir ayudante alumno de la catedra Pintura I .de graciela Carnevale. de la UNR.2002
“Una mirada sobre el acto creativo”
El hecho de elegir este tema radica en mi interés por trabajar con los ingresantes de la escuela de Bellas Artes, que comienzan con una gran inquietud por el querer hacer. Cómo no anular desde el lugar de la docencia dicho potencial creativo?
Me pareció importante abordar la investigación desde donde nace el acto creativo y cómo funcionan los mecanismos de creación.
Comencé tomando algunos conceptos de la teoría del psicoanálisis, todavía vigentes en nuestros días, para dar cuenta de los procesos psíquicos que intervienen en esta actividad.
En el artículo titulado “El poeta y los sueños diurnos” (1908), Sigmund Freud se pregunta de dónde el poeta saca esa “inspiración divina” que hace bella una obra de arte. Habla de la creación literaria, pero creo que es pertinente tomarlo para cualquier campo de producción artística; ya que toda obra se basa en lo poético.
Freud afirma, que en el juego de los niños se encuentran las primeras huellas de actividad poética: “Todo niño que juega, se conduce como un poeta...”, se crea un mundo propio, en donde sitúa las cosas del mundo que lo rodea en un nuevo mundo, grato para él; dedica mucho tiempo y grandes afectos a su juego.
El poeta se desenvuelve igual que el niño, crea un mundo fantástico, se siente muy ligado a él afectivamente, pero sin diferenciarlo resueltamente de la realidad. La antítesis del juego es la realidad. El niño distingue bien la realidad del mundo de su juego, y apoya los objetos y circunstancias que imagina en objetos visibles del mundo real; este apoyo es lo que diferencia el jugar infantil y el fantasear del adulto.
El adulto sabe, que de él se espera que ya no juegue, que forme parte del mundo real, entonces renuncia aparentemente al placer que le producía el jugar. Sabemos bien que es difícil renunciar a algo que causa placer...
En realidad no renuncia a nada, sustituye, subroga en lugar de jugar, fantasea, contruye castillos en el aire y a esto el psicoanálisis lo designa como “sueños diurnos” o “fantasías”*.
El niño juega solo o con otro niños, ofrece su juego como espectáculo al adulto; en cambio el adulto se averguenza de sus fantasías y las oculta a los demás, son parte de su intimidad y preferiría confesar sus culpas a contar sus fantasías.
* Freud sostiene que los sueños son una forma de realización de deseos; otra forma es el fantasear. La fantasía se distigue según la personalidad del que fantasea: pueden ser deseos ambiciosos, egoístas o eróticos; siempre tendiendo a la elevación de esa personalidad.
Ahora bien, si un soñador nos contara sus fantasías, no sentiríamos placer ninguno; muy por el contrario podrían ser completamente desagradables. En cambio, cuando escuchamos las fantasías del poeta sentimos elevado placer.
Cómo consigue el poeta la superación de aquella repugancia? Es su más íntimo secreto. Éste es el “auténtico” mecanismo de creación.
El artista se aparta de la realidad y deja libres en su fantasía sus deseos eróticos y ambiciosos, pero encuentra desde este mundo imaginario otra realidad; constituyendo con sus fantasías, merced a dotes especiales, una nueva especie de realidades admitidas por los demás hombres como bellas imágenes del mundo.
Pienso que algunas obras de arte contemporáneas se acercan más a meros sueños diurnos, que a metáforas bellas de la realidad. Ahora me pregunto, si será que los conceptos de arte y belleza han cambiado o, que simplemente algunos artistas quedan pegados a esa realidad y no tienen “dotes especiales” para tramitar la belleza.
J.Kristeva dice al respecto, que muchos jóvenes artistas no hacen objetos de arte sino instalaciones, y se pregunta: “... otros tantos signos de la incapacidad para producir un objeto neto e intenso? ¿De la ineptitud para concentrar la energía metafísica y estética en un marco, sobre un pedazo de madera, de bronce, de mármol? Tal vez, con todo yo creo que hay otra cosa...”*
*(“Sentido y sinsentido de la revuelta” pag.29)
Metodología de trabajo.
Teniendo esbozado un acercamiento a lo que puede ser un mecanismo de producción artística, la tarea sería ayudar a convertir ese deseo en una obra de arte bella sin que sea la simple manifestación de un sueño diurno.
Si bien he tomado conceptos del psicoanálisis para esclarecer de alguna manera el acto creativo, no significa que sea usada como práctica para la enseñanza.
No se trata de indagar en la causa primordial de sus deseos; eso sí sería tarea del psicoanálisis.
Creo que la labor del docente, implica brindarle conocimientos y variadas técnicas pictóricas para que el alumno pueda poner en acto sus deseos.
Enseñarle a pintar sería enseñarle a pensar y hacer, aprender a mirar, a sentir y a imaginar...
La problemática es la pintura como expresión.
Primordialmente se trata, de ofrecer al alumno herramientas para que logre cristalizar sus deseos y devenga una “bella obra de arte”.
Bibliografía.
· Sigmund Freud. Obras Completas.Tomo II.
- Capítulo XXXV “El poeta y los sueños diurnos” 1907 (1908).
- Capítulo LV “Los dos principios del funcionamiento mental”. 1910- 11. (1911) Traducción L.L.Ballesteros y de Torres. Editorial Biblioteca Nueva. Madrid. España.
· Julia Kristeva. “Sentido y sinsentido de la revuelta” literatura y
psicoanálisis.
- Capítulo I “Cuál es “hoy” la revuelta”. El fundamento perdido.
Editorial Eudeba. Universidad de Buenos Aires. 1998.
· Leandro de Lanjonquiere. “Infancia e ilusión (psico) pedagógica”
escritos de psicoanálisis y educación.
- Capítulo “El psicoanálisis, la educación y la escuela de Bonneuil”
Ediciones Nueva Visión. Buenos Aires.
El hecho de elegir este tema radica en mi interés por trabajar con los ingresantes de la escuela de Bellas Artes, que comienzan con una gran inquietud por el querer hacer. Cómo no anular desde el lugar de la docencia dicho potencial creativo?
Me pareció importante abordar la investigación desde donde nace el acto creativo y cómo funcionan los mecanismos de creación.
Comencé tomando algunos conceptos de la teoría del psicoanálisis, todavía vigentes en nuestros días, para dar cuenta de los procesos psíquicos que intervienen en esta actividad.
En el artículo titulado “El poeta y los sueños diurnos” (1908), Sigmund Freud se pregunta de dónde el poeta saca esa “inspiración divina” que hace bella una obra de arte. Habla de la creación literaria, pero creo que es pertinente tomarlo para cualquier campo de producción artística; ya que toda obra se basa en lo poético.
Freud afirma, que en el juego de los niños se encuentran las primeras huellas de actividad poética: “Todo niño que juega, se conduce como un poeta...”, se crea un mundo propio, en donde sitúa las cosas del mundo que lo rodea en un nuevo mundo, grato para él; dedica mucho tiempo y grandes afectos a su juego.
El poeta se desenvuelve igual que el niño, crea un mundo fantástico, se siente muy ligado a él afectivamente, pero sin diferenciarlo resueltamente de la realidad. La antítesis del juego es la realidad. El niño distingue bien la realidad del mundo de su juego, y apoya los objetos y circunstancias que imagina en objetos visibles del mundo real; este apoyo es lo que diferencia el jugar infantil y el fantasear del adulto.
El adulto sabe, que de él se espera que ya no juegue, que forme parte del mundo real, entonces renuncia aparentemente al placer que le producía el jugar. Sabemos bien que es difícil renunciar a algo que causa placer...
En realidad no renuncia a nada, sustituye, subroga en lugar de jugar, fantasea, contruye castillos en el aire y a esto el psicoanálisis lo designa como “sueños diurnos” o “fantasías”*.
El niño juega solo o con otro niños, ofrece su juego como espectáculo al adulto; en cambio el adulto se averguenza de sus fantasías y las oculta a los demás, son parte de su intimidad y preferiría confesar sus culpas a contar sus fantasías.
* Freud sostiene que los sueños son una forma de realización de deseos; otra forma es el fantasear. La fantasía se distigue según la personalidad del que fantasea: pueden ser deseos ambiciosos, egoístas o eróticos; siempre tendiendo a la elevación de esa personalidad.
Ahora bien, si un soñador nos contara sus fantasías, no sentiríamos placer ninguno; muy por el contrario podrían ser completamente desagradables. En cambio, cuando escuchamos las fantasías del poeta sentimos elevado placer.
Cómo consigue el poeta la superación de aquella repugancia? Es su más íntimo secreto. Éste es el “auténtico” mecanismo de creación.
El artista se aparta de la realidad y deja libres en su fantasía sus deseos eróticos y ambiciosos, pero encuentra desde este mundo imaginario otra realidad; constituyendo con sus fantasías, merced a dotes especiales, una nueva especie de realidades admitidas por los demás hombres como bellas imágenes del mundo.
Pienso que algunas obras de arte contemporáneas se acercan más a meros sueños diurnos, que a metáforas bellas de la realidad. Ahora me pregunto, si será que los conceptos de arte y belleza han cambiado o, que simplemente algunos artistas quedan pegados a esa realidad y no tienen “dotes especiales” para tramitar la belleza.
J.Kristeva dice al respecto, que muchos jóvenes artistas no hacen objetos de arte sino instalaciones, y se pregunta: “... otros tantos signos de la incapacidad para producir un objeto neto e intenso? ¿De la ineptitud para concentrar la energía metafísica y estética en un marco, sobre un pedazo de madera, de bronce, de mármol? Tal vez, con todo yo creo que hay otra cosa...”*
*(“Sentido y sinsentido de la revuelta” pag.29)
Metodología de trabajo.
Teniendo esbozado un acercamiento a lo que puede ser un mecanismo de producción artística, la tarea sería ayudar a convertir ese deseo en una obra de arte bella sin que sea la simple manifestación de un sueño diurno.
Si bien he tomado conceptos del psicoanálisis para esclarecer de alguna manera el acto creativo, no significa que sea usada como práctica para la enseñanza.
No se trata de indagar en la causa primordial de sus deseos; eso sí sería tarea del psicoanálisis.
Creo que la labor del docente, implica brindarle conocimientos y variadas técnicas pictóricas para que el alumno pueda poner en acto sus deseos.
Enseñarle a pintar sería enseñarle a pensar y hacer, aprender a mirar, a sentir y a imaginar...
La problemática es la pintura como expresión.
Primordialmente se trata, de ofrecer al alumno herramientas para que logre cristalizar sus deseos y devenga una “bella obra de arte”.
Bibliografía.
· Sigmund Freud. Obras Completas.Tomo II.
- Capítulo XXXV “El poeta y los sueños diurnos” 1907 (1908).
- Capítulo LV “Los dos principios del funcionamiento mental”. 1910- 11. (1911) Traducción L.L.Ballesteros y de Torres. Editorial Biblioteca Nueva. Madrid. España.
· Julia Kristeva. “Sentido y sinsentido de la revuelta” literatura y
psicoanálisis.
- Capítulo I “Cuál es “hoy” la revuelta”. El fundamento perdido.
Editorial Eudeba. Universidad de Buenos Aires. 1998.
· Leandro de Lanjonquiere. “Infancia e ilusión (psico) pedagógica”
escritos de psicoanálisis y educación.
- Capítulo “El psicoanálisis, la educación y la escuela de Bonneuil”
Ediciones Nueva Visión. Buenos Aires.
Taller de arte experimental V
Proyecto Narcisista.
¿De que vive un artista plástico?
Desde 1995, intente buscar oficios dentro del basto campo artístico. Trabaje como vestuarista y decoradora en un club recreativo infantil “St. Mary Club”, hasta 1997.
A partir de 1998, hasta estos días, hice producciones de Books, para fotógrafos como Gustavo Goñi, Abel Viano, Carolina Grimblat, Pablo Deseta.
En el año 1999 hasta 2001 producción de maquillajes y diseño de vestuario para una empresa de eventos “Philip y Margot” que trabajaba en galerías comerciales, bares, discos de pueblos.
Actualmente estoy confeccionando a Barney y su amiguito BJ, personajes de una serie de la BBC, que esta de moda. Estos trabajos me permiten mostrar mi producción a gente ajena al circuito del “arte contemporáneo.
Mis muestras a gente culta.
En 1999, presente “Reinas de la Noche” en el hipódromo Independencia para el 1° aniversario de la revista Freedom: video documental de Drag Queens de 15 min. de duración.
En el 2000-2001 hice intervenciones urbanas:
“Es-Cultura Social. Recortes”, cien manos de yeso con los dedos cortados, y el corte pintado de rojo, montadas en banquetas de la facultad, en la peatonal Córdoba.
“UNR Frágil”, 70 personas dentro de cajas de supermercado, caminando por la peatonal, irrumpiendo el transito, acompañado por una orquesta de vientos que sonaba música circense.
“UNR Liquida”, un supermercado donde de vendían desde trozos de cerebro, hasta estudiantes.
En el 2002 “Cuerpos con luz propia”, 15 fragmentos de cuerpo, de yeso pintados con luz fosforescente.
Y en el 2003 muestra permanente de objetos eróticos “velas y porta sahumerios” en Eros Rosario.com.
También en ese año hubo una muestra colectiva de artistas rosarinos y bonaerenses “Submarino Amarillo” en el Centro Cultural Parque de España, presente un objeto: “Diegoarmando Milnuevenoventaiseis”, una nariz de resina, montada sobre un escudo rojo.
La línea del cuerpo.
Desde el 2000 hasta el 2002 acudí a un taller de dibujo de figura humana con modelo, organizado por un grupo de estudiantes. Lo cerré haciendo un autorretrato de 30cm (escultura) en porcelana fría. Desnuda, contorsionada, atada con alambres de púas de bronce, se llamaba: “Alegoría al Garabato Psicótico”.
En el 2002 hubo un proyecto fracasado (según los docentes del Tae IV ) que hablaba del modo de circulación y legitimación del arte contemporáneo, constaba de comunicados enviados por correo electrónico, dejando un mensaje abierto:
Comunicado nº 1: una foto de mi imagen desnuda, reflejada en un espejo con la leyenda
“Yo Soy El Arte”
“La mediocridad para algunos es normal, la cordura es poder ver mas allá”.CG
Comunicado nº 2: Que es el arte contemporáneo? esta sigue siendo mi postura frente a Ello.
Ahora…
El trabajo de investigación realizado en los objetos que se describen anteriormente:
1- Escultura de porcelana.
2- Fotos de e-mail.
3- Objetos lumínicos.
4- Velas y porta sahumerios
Ponen en escena al cuerpo desnudo como problemática central. El cuerpo concebido como totalidad 1 y 2, y que a su vez se reinscribe ironizando la posibilidad de definir el arte contemporáneo.
En los trabajos 2 y 3 el cuerpo ya no es pensado como totalidad, sino como un fragmento. Búsqueda esta que intentaba dar cuenta del sujeto moderno, sujeto escindido, “yo” descentralizado, fragmentado que no puede construir una identidad.
Los trozos o fragmentos de cuerpo referían explícitamente a aquello del orden de lo más propio y determinante del sujeto: la sexualidad.
Formalmente los trabajos apuntan a revalorizar técnicas tradicionales como la escultura (molderías).
El trabajo actual se propone retomar esta línea investigativa, utilizando las mismas técnicas (molderías) con un nuevo material y que resulta significativo en el lugar donde va a estar ubicado.
La resolución plástica va a ser en cemento con moldes de mi misma, explorando ahora el cuerpo como totalidades mesurada y se ubicara en el jardín de mi casa.
Ello supone una vuelta de sentido a los cánones del genero del autorretrato por un lado y por el otro se re inserta en la especialidad privada de la casa. El lugar de ubicación jardín también propone una ironizacion del arte como decoración, que va desde las estatuas de los grandilocuentes jardines europeos del siglo XVII y XIX hasta los enanitos kitch de las casitas de barrio de las ciudades modernas.
Relajada, despojada de ropa, desnuda, cuidando mi lugar, esperando el sol, viendo las estrellas, quede hecha piedra.
Quizás estaré esperando que una estrella me ilumine…”
Carina Cardone.2004
Proyecto Narcisista.
¿De que vive un artista plástico?
Desde 1995, intente buscar oficios dentro del basto campo artístico. Trabaje como vestuarista y decoradora en un club recreativo infantil “St. Mary Club”, hasta 1997.
A partir de 1998, hasta estos días, hice producciones de Books, para fotógrafos como Gustavo Goñi, Abel Viano, Carolina Grimblat, Pablo Deseta.
En el año 1999 hasta 2001 producción de maquillajes y diseño de vestuario para una empresa de eventos “Philip y Margot” que trabajaba en galerías comerciales, bares, discos de pueblos.
Actualmente estoy confeccionando a Barney y su amiguito BJ, personajes de una serie de la BBC, que esta de moda. Estos trabajos me permiten mostrar mi producción a gente ajena al circuito del “arte contemporáneo.
Mis muestras a gente culta.
En 1999, presente “Reinas de la Noche” en el hipódromo Independencia para el 1° aniversario de la revista Freedom: video documental de Drag Queens de 15 min. de duración.
En el 2000-2001 hice intervenciones urbanas:
“Es-Cultura Social. Recortes”, cien manos de yeso con los dedos cortados, y el corte pintado de rojo, montadas en banquetas de la facultad, en la peatonal Córdoba.
“UNR Frágil”, 70 personas dentro de cajas de supermercado, caminando por la peatonal, irrumpiendo el transito, acompañado por una orquesta de vientos que sonaba música circense.
“UNR Liquida”, un supermercado donde de vendían desde trozos de cerebro, hasta estudiantes.
En el 2002 “Cuerpos con luz propia”, 15 fragmentos de cuerpo, de yeso pintados con luz fosforescente.
Y en el 2003 muestra permanente de objetos eróticos “velas y porta sahumerios” en Eros Rosario.com.
También en ese año hubo una muestra colectiva de artistas rosarinos y bonaerenses “Submarino Amarillo” en el Centro Cultural Parque de España, presente un objeto: “Diegoarmando Milnuevenoventaiseis”, una nariz de resina, montada sobre un escudo rojo.
La línea del cuerpo.
Desde el 2000 hasta el 2002 acudí a un taller de dibujo de figura humana con modelo, organizado por un grupo de estudiantes. Lo cerré haciendo un autorretrato de 30cm (escultura) en porcelana fría. Desnuda, contorsionada, atada con alambres de púas de bronce, se llamaba: “Alegoría al Garabato Psicótico”.
En el 2002 hubo un proyecto fracasado (según los docentes del Tae IV ) que hablaba del modo de circulación y legitimación del arte contemporáneo, constaba de comunicados enviados por correo electrónico, dejando un mensaje abierto:
Comunicado nº 1: una foto de mi imagen desnuda, reflejada en un espejo con la leyenda
“Yo Soy El Arte”
“La mediocridad para algunos es normal, la cordura es poder ver mas allá”.CG
Comunicado nº 2: Que es el arte contemporáneo? esta sigue siendo mi postura frente a Ello.
Ahora…
El trabajo de investigación realizado en los objetos que se describen anteriormente:
1- Escultura de porcelana.
2- Fotos de e-mail.
3- Objetos lumínicos.
4- Velas y porta sahumerios
Ponen en escena al cuerpo desnudo como problemática central. El cuerpo concebido como totalidad 1 y 2, y que a su vez se reinscribe ironizando la posibilidad de definir el arte contemporáneo.
En los trabajos 2 y 3 el cuerpo ya no es pensado como totalidad, sino como un fragmento. Búsqueda esta que intentaba dar cuenta del sujeto moderno, sujeto escindido, “yo” descentralizado, fragmentado que no puede construir una identidad.
Los trozos o fragmentos de cuerpo referían explícitamente a aquello del orden de lo más propio y determinante del sujeto: la sexualidad.
Formalmente los trabajos apuntan a revalorizar técnicas tradicionales como la escultura (molderías).
El trabajo actual se propone retomar esta línea investigativa, utilizando las mismas técnicas (molderías) con un nuevo material y que resulta significativo en el lugar donde va a estar ubicado.
La resolución plástica va a ser en cemento con moldes de mi misma, explorando ahora el cuerpo como totalidades mesurada y se ubicara en el jardín de mi casa.
Ello supone una vuelta de sentido a los cánones del genero del autorretrato por un lado y por el otro se re inserta en la especialidad privada de la casa. El lugar de ubicación jardín también propone una ironizacion del arte como decoración, que va desde las estatuas de los grandilocuentes jardines europeos del siglo XVII y XIX hasta los enanitos kitch de las casitas de barrio de las ciudades modernas.
Relajada, despojada de ropa, desnuda, cuidando mi lugar, esperando el sol, viendo las estrellas, quede hecha piedra.
Quizás estaré esperando que una estrella me ilumine…”
Carina Cardone.2004
que es el arte contemporaneo 2002
Que es el arte contemporáneo?
Etimológicamente contemporáneo seria, “lo que esta temporalmente al mismo tiempo”; siguiendo esta definición no podemos dejar de pensar en el arte actual, como un reflejo de un sistema (sociopolítico en decadencia).
Doy tres definiciones de lo que para mi puede ser una parte del arte contemporáneo.
1. “todo vale”: mientras mas raro, mas interesante. Tiene tanto mas valor, cuanto mas se aleje “a lo normal” (normal en el sentido clásico del arte) . y así agujeritos, pelotitas, alambrecitos, formitas, lucecitas, cualquier cosita sumada a otra que formen una obra, sin ningún tipo de sentido es “obra artística”. Desde siempre lo q el poder quiere es que el arte no sea critico.
2. “garabato psicótico”: un garabato es una forma indefinida que usa un niño para comunicarse. La psicosis es una “enfermedad” psíquica que a grandes rasgos se la podría identificar con: perdida de la realidad, perdida del lazo afectivo, imposibilidad de metáfora.
3. “vomito del inconsciente”: formas de diferentes colores expulsadas del cuerpo. Lo inconsciente esta regido por el principio de placer, lo inconciente nunca se da a ver. Este vomito seria lo displacentero, que sale expulsado del cuerpo, porque el cuerpo no lo necesita y queda ahí, amontonado, chorreado con forma amorfa.
Ahora deberíamos preguntarnos quien legitima esta tipo de arte? El museo “municipal” J.B.Castagnino es un lugar de legitimación del arte rosarino? Como se entra en el circuito? Tendremos a Buenos Aires como referente? Y Bs. As a quien tiene como referente?
Con esto de la globalización, además de legitimarnos la moneda, también nos legitiman la estética? Deberíamos cambiar la Bandera?
Los críticos son sabios? Son objetivos? O subjetivos? Tendrán ideologías? O serán posmodernos? A quienes representan? Tendrán alguna relación política con el sistema? Hay comunicación entre el museo y las escuelas de arte? Estas instituciones son privadas o las sustentan nuestros impuestos?
Julia Kristeva dice, “…Muchos jóvenes artistas no crean simples objetos de arte, sino instalaciones. ¿Otros tantos signos de la incapacidad para producir un objeto neto e intenso? ¿De la ineptitud para concentrar la energía metafísica y estética en un marco, sobre un pedazo de madera, de bronce, de mármol? Tal vez. Con todo, yo creo que hay otra cosa. …”(Pág. 29. cap. El fundamento perdido. Sentido y sinsentido de la revuelta.)
Yo también creo que hay otras cosas, ustedes saquen sus propias conclusiones.
Y que signifique quien pueda.
Exhíbase, reléase, y luego archívese.
Carina Cardone
Texto enviado por correo electrónico a productores de arte y publico especializado en octubre de 2002
Etimológicamente contemporáneo seria, “lo que esta temporalmente al mismo tiempo”; siguiendo esta definición no podemos dejar de pensar en el arte actual, como un reflejo de un sistema (sociopolítico en decadencia).
Doy tres definiciones de lo que para mi puede ser una parte del arte contemporáneo.
1. “todo vale”: mientras mas raro, mas interesante. Tiene tanto mas valor, cuanto mas se aleje “a lo normal” (normal en el sentido clásico del arte) . y así agujeritos, pelotitas, alambrecitos, formitas, lucecitas, cualquier cosita sumada a otra que formen una obra, sin ningún tipo de sentido es “obra artística”. Desde siempre lo q el poder quiere es que el arte no sea critico.
2. “garabato psicótico”: un garabato es una forma indefinida que usa un niño para comunicarse. La psicosis es una “enfermedad” psíquica que a grandes rasgos se la podría identificar con: perdida de la realidad, perdida del lazo afectivo, imposibilidad de metáfora.
3. “vomito del inconsciente”: formas de diferentes colores expulsadas del cuerpo. Lo inconsciente esta regido por el principio de placer, lo inconciente nunca se da a ver. Este vomito seria lo displacentero, que sale expulsado del cuerpo, porque el cuerpo no lo necesita y queda ahí, amontonado, chorreado con forma amorfa.
Ahora deberíamos preguntarnos quien legitima esta tipo de arte? El museo “municipal” J.B.Castagnino es un lugar de legitimación del arte rosarino? Como se entra en el circuito? Tendremos a Buenos Aires como referente? Y Bs. As a quien tiene como referente?
Con esto de la globalización, además de legitimarnos la moneda, también nos legitiman la estética? Deberíamos cambiar la Bandera?
Los críticos son sabios? Son objetivos? O subjetivos? Tendrán ideologías? O serán posmodernos? A quienes representan? Tendrán alguna relación política con el sistema? Hay comunicación entre el museo y las escuelas de arte? Estas instituciones son privadas o las sustentan nuestros impuestos?
Julia Kristeva dice, “…Muchos jóvenes artistas no crean simples objetos de arte, sino instalaciones. ¿Otros tantos signos de la incapacidad para producir un objeto neto e intenso? ¿De la ineptitud para concentrar la energía metafísica y estética en un marco, sobre un pedazo de madera, de bronce, de mármol? Tal vez. Con todo, yo creo que hay otra cosa. …”(Pág. 29. cap. El fundamento perdido. Sentido y sinsentido de la revuelta.)
Yo también creo que hay otras cosas, ustedes saquen sus propias conclusiones.
Y que signifique quien pueda.
Exhíbase, reléase, y luego archívese.
Carina Cardone
Texto enviado por correo electrónico a productores de arte y publico especializado en octubre de 2002
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